“Hay distintas maneras de emocionarse ante la canción”

El trío  Dos Más Uno  se presentó en La Felipa Verde, Corrientes. Los músicos Hugo y Marcelo Dellamea junto a Ariel Sánchez presentaron en la región su nuevo disco, Las canciones más lindas del mundo Volumen II”. Estuvieron como invitado Los hermanos Duarte. Fue una tarde henchida por un repertorio amplio, generoso y ensanchado por la emotividad que se respiró en el ambiente. En estas líneas parte de lo que fue una tarde de sol, poesía y música.

 

Por Paulo Ferreyra

Fotos Guillermo Billordo

 

 

— Vamos a empezar esta charla por algo sencillo, hace varios años que viven en Buenos Aires ¿Qué es lo primero que hacen cuando llegan a Resistencia?

 

Hugo Dellamea — Lo primero que hacemos es ver a la familia y a los amigos. Para nosotros que hace tanto tiempo vivimos afuera volver a la ciudad nos gusta mucho. Nos gusta volver a encontrarme con amigos y recorrer la ciudad, ver las cosas que siguen igual o las cosas que han cambiado. Encontrarme con amigos desde la música.

 

Marcelo Dellamea — En mi caso me paso que llego y me conecto con las cosas que me hacen sentir ser de acá. Cuando recorro la ciudad siento que soy de acá. Los recuerdos vuelven. Paso por un lugar donde tocamos hace mucho y los recuerdos florecen. Es una sensación muy linda. Es mi caso, vuelvo a un lugar seguro. Así lo vivo.

 

 

De Chaco a Corrientes

 

Unos días antes de que los hermanos Dellamea llegaran a Corrientes nos encontramos para una breve entrevista. Habían arribado a la zona para realizar presentaciones en Resistencia, Sáenz Peña y el cierre de la gira en la ciudad de las siete puntas.

 

Cerca de las 17 de un domingo de septiembre el público fue ocupando los lugares disponibles. Una hora después ya no había asientos libres. Ronda de amigos, familias y músicos amigos fueron ocupando los distintos espacios de La Felipa Merienda. Mate, café, leche, entre otras infusiones iban vistiendo distintas mesas. Además, varias exquisiteces dulces y saladas.

 

Al abrir el show Hugo Dellamea agradeció la presencia del público. Agradeció al lugar y a los amigos la presencia en una tarde de sol. “Gracias por venir. Aquí nos encontramos con Yoshi que es una gran persona y un gran amigo. Teníamos ganas de tocar en Corrientes con el formato del trío. Hoy es especial porque lo que más nos gusta hacer es tocar y hacerlo donde tenemos a la gente cerca es doblemente especial. Prepárense para disfrutar de un repertorio amplio”, deslizó y la música salió como pulsos de rayos hacia los presentes.

 

Este año Los Hermanos Dellamea comenzaron en el litoral la gira de la presentación del disco Las canciones más lindas del mundo Volumen 2. La música fue conquistando la tarde. Cada canción se cerraba con un aplauso emotivo, donde también se alzaban las voces de bravo y expresiones como, ¡qué lindo! ¡qué bárbaro! En algún lugar ya el sol comenzaba a jugar a las escondidas entre los árboles. Ahí los artistas hacían que Chabuca Granda, el Cuchi Leguizamón, Manuel Castilla, Fito Ledezma o Chacho Echenique dialogarán desde las canciones.

 

Los aplausos tras cada canción se hacían sostenidos. El clima era emotivo y feliz, las sonrisas silenciosas ensanchan los rostros. La voz de un niño se trepó tras un silencio — Papi —, y los suspiros se espejaron. Hugo Dellamea comentó que era la voz de su hijo y que este es el primer concierto que miraba.

 

 

“Los límites de los géneros están diluidos”

 

En la previa de esta presentación charlamos con Marcelo Dellamea. Hablamos de esa potencia que tienen cuando entrelazan los géneros musicales. Además, abordamos algunos aspectos del disco que presentaron.

 

 

— ¿Qué son los géneros musicales?

 

Marcelo  — Son etiquetas que sirven para vender. Cuando uno ama la música, como es nuestro caso, esos límites de los géneros están diluidos. En mi caso soy un músico muy curioso. Me gusta navegar por distintos géneros. Con Hugo y Ariel sentimos lo mismo. Si bien reconocemos que tenemos un píe muy fuerte en el folclore, desde ese lugar nos proyectamos hacia otras músicas.

 

Esa libertad también viene un poco dada de lo que nos dio ser parte del programa La Peña de Morfi. Antes de eso nosotros no nos animábamos tanto a tocar otros géneros. Pero ahí lo hacíamos en vivo y para mucha gente. La idea de los discos Las canciones más lindas del mundo es navegar por distintos géneros y rescatar esas canciones que son inolvidables en la música latinoamericana y argentina.

 

— Sobre el final del disco Las canciones más linda del mundo Volumen 1 se escucha la voz de Gerardo Rozín, ¿Qué significa Rozín para ustedes?

 

Marcelo — A veces pienso que a medida que pasa el tiempo nos cae más la ficha sobre lo que vivimos con Gerardo Rozín. Realmente fue un punto de inflexión para nosotros. Él fue el gran responsable porque nos llevó al programa. Es y sigue siendo un hombre muy importante para nosotros. Además, esto de haber participado en el Volumen 1 cuando ya estaba cursando su enfermedad muy avanzada es especial. Cuando lo escucho me emociona.

 

Gerardo hace la introducción de la canción Yo me quedo. Esa canción es especial para todos, por el significado que tiene y porque llegó a mucha gente. Es una de las favoritas de la gente y nos gusta interpretarla.

 

— En cada show hay momentos furiosos y otros más serenos, en algunas canciones muestran el virtuosismo que pueden desplegar con las guitarras, ¿cómo conviven en ustedes esos climas?

 

Marcelo — Hay distintas maneras de emocionarse ante la canción, tanto para nosotros como para el público. La emoción puede venir con una buena melodía o con una letra profunda. Nosotros podemos tener los dos mundos. Nos gusta tener esos dos mundos.

 

Cuando éramos más jóvenes estábamos obnubilados por la rapidez y el virtuosismo, hablo por mi propia experiencia. Después fui descubriendo que la música es más que eso y descubrí que hay otras cosas para disfrutar. En los conciertos tenemos esos dos momentos. Disfrutamos de las dos cosas y la gente también disfruta de las dos cosas. Además, el público expresa sus emociones de diferentes maneras.

 

 

“Cuanto más vivo mañana, más feliz soy”

 

Los músicos se buscan con la mirada. Hay sonrisas cómplices. Ariel Sánchez, percusionista queda un poco atrás de algún cuchicheo que hacen Hubo y Marcelo Dellamea. Ariel tuvo su momento para contar algún chiste, su momento stand up mientras preparaban las cámaras para registrar algunos temas.

 

El repertorio incluyó homenaje a la Chacarera del monte, con un tema de Coco Gómez y Magali Gómez. Antes de interpretar el tema Cambia todo cambia, explicaron que conocieron una gira por Europa al autor de esta canción, el chileno Julio Numhauser. “Pudimos interpretar nuestra versión de este tema para él y le gustó. Eso nos dio una gran satisfacción”, comentó Hugo.

 

“Cambia, todo cambia”, el público coreó casi todo el tema. Una canción viva en la memoria de todos los presentes. Hubo un momento especial cuando Los Hermanos Duartes, de Villa Berthet - Chaco, fueron invitados para compartir parte del repertorio de la tarde. Facundo en acordeón y Nazareno en guitarra junto a Dos más uno acentuaron un repertorio chamamecero. “Cuando se confirmó la fecha que podíamos hacer en Corrientes - comentó Hugo Dellamea - lo primero que pensamos para compartir música fue invitar a los hermanos Duarte. Ellos son chaqueños pero viven en Corrientes. Son hermanos como nosotros, jóvenes y tremendos músicos”. Juntos interpretaron temas de Roque Librado González, Tilo Escobar y Mario Bofill, entre otros.

 

La noche había madurado. Las luces discretas hacían distintos focos en el jardín vivo de La Felipa Verde. Una brisa hamacaba algunas hojas. Entre el público crecía la emoción, las miradas, los abrazos y los más íntimos que seguían el concierto tomados de la mano. Las mesas también subieron de tinta, alguna cerveza y en otras vino.

 

Los músicos habían advertido que el frío le estaba llegando a los dedos. Se acercaba el final del show. El público deslizaba a viva voz algunas canciones que quería escuchar. De repente, los acordes de la guitarra anunciaban un guarania, Marcelo se acercó al micrófono y comenzó a cantar Che pikasu mí. Cantó en guaraní y en castellano. La emoción abrazó a todos y a todas. La poesía y la música juntos, en el decir de la poeta Circe Maia, “puede ocurrir –y a veces con frecuencia– que / uno se sienta como despellejado / sin la barrera de la piel, en contacto directo / en carne viva, a nervio desnudo / con el extraño ser de la belleza”.

 

 

 

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Candela Pietropaolo: “Siempre estuve conectada al río”

Esta noche se inaugura la muestra Donde las orillas se tocan por debajo del agua, de la artista  Candela Pietropaolo.  La curaduría es de Silvia Gurfein. A las 21 se abrirán las puertas de la galería Yuyal, en Resistencia. Si bien cuando se inauguró esta galería mostraron obras de Candela, lo que trajo en esta muestra son todas obras nuevas. “Son obras que estuve trabajando en los últimos meses”, destacó. 

 

Por Paulo Ferreyra

 

Las formas de abordar sus temas, su manera de investigar, los procedimientos a los que Candela Pietropaolo recurre en su quehacer artístico son variados. Son variados y muy ricos, pero en cada una de estas operaciones estará presente el río. En esta charla nos sumergimos así en su universo donde los humedales casi ungen estas palabras.

 

— Recuerdo que cuando se inauguró la galería Yuyal mostraron obras tuyas, ¿en esta exposición qué elegiste mostrar?

 

— Todo lo que van a ver en esta exposición es obra nueva.

 

Desde diciembre del 2024 soy una de las artistas que forma parte de la galería Yuyal. En su programación se pensó en una muestra individual por cada artista que la galería representa. La fecha que pensamos con Jorge Tirner fue esta de octubre del 2025. Estos últimos meses estuve trabajando especialmente para esta exposición.

 

El eje de estas obras es lo que vengo desarrollando desde hace cinco años. La mirada está puesta en el río y en el paisaje que habito. Es un proceso de largo aliento que me acompaña hace tiempo junto a otras ideas que voy desarrollando.

 

Siempre digo que me gusta trabajar desde la imposibilidad. Eso es lo que me mueve cuando no sé algo o cuando no puedo abarcar ciertos temas. En ese contexto trato de seguir desarrollando ideas nuevas o hipótesis, a partir de esas indagaciones hago otras producciones.

 

— Siguiendo esa línea, para dar un ejemplo, hiciste una investigación sobre los colores del río, ¿Cuántos colores tenés registrados?

 

— Este trabajo de los colores del río lo empecé en el 2017. Mi idea original era pintar el río. Ahí me encontré con la imposibilitada de poder lograr esa pintura. Me di cuenta que era bastante imposible definir un color para el río. Surge lo que ya mencionaba antes, la imposibilidad de definir algo como un impulso para sumergirme en el trabajo.

 

Hay montón de factores que hacen que el río esté en constante movimiento y cambio. Fui al río en diferentes jornadas, por varios años y en cada una de esas jornadas lo que hacía era pintar el color que veía en ese momento y con en ese paisaje.

 

Fui recolectando muchas muestras de colores durante varios años. Llegué a tener 400 colores más o menos. Esto tiene que ver mucho con el estado del clima, la estación del año, el lugar donde me ponía a ver el río, no es lo mismo verlo desde arriba que verlo de la orilla o verlo en sombra que verlo a la luz del sol. Verlo en un día nublado o en un día a pleno sol de verano o un día a pleno sol de invierno.

 

 

Trascendencia

 

Si salimos por un instante de este contexto nos vamos a la costa argentina. Hay persona que cuando se acercan al mar ya perciben su aroma, su fuerza y su magnificencia. Cuando Candela habla del río se siente eso, respira y sus palabras se expanden en una lluvia de soles.

 

Su investigación que cuenta que la llevó a registrar más de cuatrocientos colores del río sigue, sus deseos siguen pulsando a medida que ensancha la mirada. “En los últimos años empecé a mirar la orilla y la isla. También empecé a fantasear o tratar de entender cómo era el estado del río, quién o qué determina el estado del río”, explicó.

 

Volvemos al mar, en sus costas se ubican banderas que indican sus condiciones de seguridad o peligro. Los colores más van del celeste, amarillo, rojo y negro. “En las playas del río Paraná no pasan lo mismo. El río sabemos que es muy diferente al comportamiento del mar pero también sabemos que tiene sus complejidades”, advirtió Candela.

 

Este detalle le llevó a la artista a pensar que habría que tener información sobre el comportamiento del río o cuál es su estado. Así empezó a diseñar una serie de pinturas con banderas en la costa del río.  Para este trabajo aprovechó algunas informaciones que se repitan como un ciclo real del río. Por ejemplo, los ciclos de las creciente, de la bajante, de las presencias de tormenta o de donde es posible bañarse y cuando no es posible. Si el río está contaminado o no. Además de tener en cuenta su fauna. 

 

— ¿En la muestra en la galería habrá algo más que las pinturas sobre banderas?

 

— He realizado varias obras sobre las banderas en el río, son doce pinturas que estarán dispuestas en una sala. Quizás en algunos años sean muchas más.

 

En otra sala habrá obras que tienen que ver con los mensajes que nos puede dar el río o lo que se dice de él. Para hacer esto retomé el código internacional de banderas marítimas, porque hay barcos que tienen banderas con sus significados. Estas banderas sirven para comunicarse con otras embarcaciones o con otros navegantes. A partir de ese alfabeto de banderas acá las uso como letras, entonces las banderas van creando mensajes.

 

— El paisaje que traes con vos viene de una gran intimidad con el río, ¿podrías contar qué es el sitio ramsar?

 

— En la zona donde vivo es un sitio ramsar que se llama Jaaukanigás. Es una parte de la ciudad de Reconquista. Ramsar es un sitio reconocido internacionalmente donde se trata de preservar la biodiversidad, los humedales y las especies que lo habitan. Para ello se tiende al ecoturismo. Hoy es una zona urbana pero que se rige por ciertas normas.

 

En el litoral tenemos ciudades como Corrientes o Rosario que tiene un vínculo directo con el río. Tienen sus orillas urbanizadas. En cambio reconquista está lejos del río, a unos dieciséis kilómetros. Sin embargo, la gente tiene vínculo con el río a pesar de esa distancia. Para muchas personas es un evento ir hasta el río.

 

 

“El río está desde siempre conmigo”

 

Ante la consulta de por qué esta inclinación hacia el río Paraná Candela Pietropaolo explicó que hace varios años que trabaja sobre el tema. “Cuando terminé de estudiar me preguntaba de qué iba hablar como artista o qué me iba a representar como artista. Estuchando y viendo a diferentes artistas y autores encontré algo que me define y ese algo es mi paisaje en torno al río Paraná”. Explico.

 

“El río es a lo que siempre estuve conectada, desde chica, mi familia era de ir mucho al río y eso se mantuvo a lo largo de mi vida. Hubo épocas en la que me vinculé al río desde otra orilla cuando viví en Rosario. Cuando voy al río me encuentro por momentos en estados de meditación. Hay un vínculo ahí que queda reflejado en lo que hago como artista”.

 

La mirada de Candela es inquieta. Después de pintar durante muchos años el río extendió su contemplación a la isla, a las orillas y a imaginar sobre sus profundidades. En sus obras el río está presente de una manera directo o sugerida.

 

El poeta Juan L. Ortiz escribió una vez, de pronto sentí el río en mí, / corría en mí / con sus orillas trémulas de señas, / con sus hondos reflejos apenas estrellados. Todas las señales que el río despierta se hicieron arte en las manos de Candela. Sus obras son disparadores para quienes se acercan y toman ese contacto con un río que está vivo. El río vive.

 

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Luces de canciones en una noche de sol

El autor y compositor  Seba Ibarra  pasó por el ciclo Preludios en el Bösendorfer: tracción a piano. Fue en el complejo cultural Guido Miranda y contó con varios invitados. La piel de los presentes se volvió de algodón en momentos de alta emotividad. Además de compartir sus canciones Seba también hizo dos covers para expandir la potencia del piano.

 

Por Paulo Ferreyra

Fotos Luciana Sabao

 

Habían pasado unos minutos de las 21.30 cuando Seba Ibarra amplió la luz del escenario con sus gestos delicados, voz y guitarra para cargar de sensibilidad la velada. La piel se volvió de algodón. Todo se tornó un huerto florido de canciones.

 

“En el barrio algunos sabios, estudiosos o quizás personas con mucha intuición solían decir que si queríamos revivir a un pájaro había que soplar. Ese aire o ese soplo transmitían un espíritu. En cambio, el poeta de Barranqueras sabía que eso no era cierto”, deslizó Seba y comenzó a expandir su repertorio entre anécdotas y canciones.

 

Los primeros aplausos llegaron como caricias. Eran manos abiertas tendidas en la noche. Fue un concierto para disfrutar del piano. En ese sentido el primer invitado fue Juan Mora. Los martillos del instrumento de mano de Juan eran como copos suaves de agua que bañaron el ambiente.

 

Quiero que te pares como un árbol,

que un rayo no pudo derribar,

con parte del alma calcinada,

con raíces que te vuelven a elevar.

 

Así cantaba Seba. Antes de este concierto, habíamos charlado por teléfono y él había explicado que encuentra y tiene confianza en el lugar que se encuentra para decir ciertas cosas, “tengo confianza para contar algo que siento y que quiero decir”.

 

Colibrí

 

El poeta del principio ­– a quien el cantor no nombro y aquí tampoco lo vamos a dar nombre – solía contar que en esta parte del mundo los poetas vuelven, no resucitados, sino que se transforman en colibríes que nos visitan de vez en cuando. El aleteo de esa visita se sintió en la noche con la canción interpretada por la segunda invitada, Paloma Ortiz.

 

El segundo tema que interpretaron Seba con Paloma fue Gota madre. Antes de comenzar, Seba comentó que los escuchó varias veces a Paloma y a Juan Mora interpretar este tema. “Los he escuchado un par de veces en distintos conciertos que hicieron. Ahora los invité a estar fiesta para cantar con ellos", deslizó y las sonrisas se esparcieron en la sala. El autor de la canción se dejó llevar con la voz y la música, Paloma hizo remontar tanto esas gotas que casi rociaron a los presentes en un relente imperceptible. Esa insistencia de esa gota fue vida y un sol que nos empujó a todos a soñar.

 

Tras los aplausos que llegaron para enmarcar la interpretación, Seba agregó que la primera vez que escuchó a Juan y a Paloma cantar Gota madre se emocionó mucho. La segunda vez, él vio que la gente cantaba las canciones con ellos y ahí la emoción lo desbordó. “Es algo muy lindo”, destacó, “a veces uno no sabe qué pasa con las canciones. En ocasiones siento que me gustan a mí nomás las canciones, pero de repente aparece Juan y Paloma interpretando una canción y ahí siento que hay algo más”.

 

La noche fue madurando con invitados especiales como Lucio Sodja, Luli Maidana, Antonella Romero en bajo y Santiago Dimartino en batería. Hubo convers como Yo vengo a ofrecer mi corazón y Durazno sangrando.

 

Seba y Lucio Sodja son del mismo barrio, Villa del Carmen en Resistencia. Habían compartido varias veces espacios en guitarreadas. Este encuentro fue propicio para hacer cosas juntos sobre un escenario. “En el barrio cuando llovía las calles se inundaba y cuando era niño salía a jugar a la calle. Así, quizás para seguir ahí jugando en esas calles del barrio compuse De tractores y ramas”, comentó. Esta dupla sorprendió a los presentes con una composición de Seba titulada Cuaderno de zamba. Con este tema, desde los acordes y la voz hicieron vibrar al público hacia otro tiempo con un paisaje íntimo, familiar y cálido.

 

Hubo mucha emoción en la noche. Abrazos. Gestos de cariños. Ternura. Canciones que bañaron los ojos. Dicen que hay noches donde los colores se tejen en verbos, así fue la velada que preparó Seba Ibarra. Las canciones quedaron henchidas en las venas, tatuajes de sol que ahora viajan como señales de humo para acompañar la vida.  Vidas.

 

 

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Juan Pablo Arias: “El arte es la posibilidad de transformar algo”

Está abierta la muestra  Gurí en El Vivero, la galería de arte del Espacio Mariño. “Siempre está presente la infancia en mis trabajos”, deslizó Juan Pablo Arias en esta charla donde hablamos de estos trabajos donde expuso pintura, xilografía y cerámica. Adelantó que está preparando obras para la feria a.362 donde se verán cosas distintos a lo que viene haciendo. “Será diferente, pero estará presente la mirada a los pueblos originarios y a la naturaleza. Mi lugar en el arte”, subrayó.

Por Paulo Ferreyra

Fotos Ivanna Carballo - Espacio Mariño

Julián Barreto y Alejandro Joaquín Vallejos coordinan el espacio El Vivero. Días atrás cuando se inauguró la muestra Juan Pablo Airas comentó que la primera sensación que tuvo con esta invitación a exponer en este lugar fue de mucho gusto. Argumentó que ya desde antes le llamaba la atención el espacio, sabía del lugar porque habían expuesto amigos suyos. “Es un lugar pintoresco y artístico. Al conocer la movida de esta galería me resultó atractivo traer mis obras a este lugar”, destacó.

El artista es de Saladas, Corrientes. Es artista visual, docente, escultor y ceramista. Desde hace ya varios años reside en Resistencia, Chaco. Es profesor de Escultura egresado del I.S.PE.A. “Alfredo Pertile”, dicta clases de artes visuales desde 2005 y de cerámica en el mismo instituto desde el 2012.

Inició su camino en la escultura en 2001 bajo la guía de Víctor Ricardone y en cerámica en 2002 con Teresita Capurro. Tras una primera etapa dedicada a objetos utilitarios, desde 2014 se concentra en la escultura cerámica. Ha expuesto de forma individual y colectiva en Corrientes, Chaco, Córdoba, Buenos Aires y en el Carrusel del Louvre (París, 2022). También ha realizado murales, participa en encuentros de escultura en madera y desarrolla obra gráfica en xilografía.

En esta charla recuerda que antes de estudiar pintaba. Entró justamente a estudiar bellas artes para pintar, pero ahí conoció la escultura y desde entonces casi no pinta. Para esta muestra en El Vivero pensó en escapar un ratito de la cerámica y así desarrollar una idea que venía pensando hace tiempo: Volver a pintar sin descuidar su horizonte puesto en las infancias. En la muestra se encuentra trabajos desde el 2013 y muchos realizados este año.

Gurí

“Siempre está presente la infancia en mis trabajos. Cuando me proponen mostrar obras en El Vivero reflexioné que no quería traer escultura, sino empezar a pintar y mostrar algunos trabajos”, así comenzó esta charla mientras mirábamos las paredes vestidas con sus obras. “Traje además aquí algunos grabados. Me llama la atención la xilografía, es algo que me gusta mucho, pero no le dedico el tiempo que le debería dedicar. La xilografía me gusta”, resaltó. 

Los colores se alzan entre el rojo, amarillo, azul, el negro de la xilografía. Juan Pablo tiene la piel oscura y sonríe con unos dientes blancos impecables. La sonrisa urgente y siempre amable. A veces alegres y en otros momentos parece esconder su timidez.

Hace tiempo que no pintaba y a medida que fue creando estas nuevas obras encontró que había semejanza con los artistas que admira. En el grabado encontró algo distinto. Ahí pudo llevar la imagen de las esculturas al grabado, ahí las dudas se fueron licuando y se sintió más seguro. 

— ¿Cómo se construyó tu mirada desde la cual estás haciendo arte?

— En algún momento decidí que quería que mi obra tenga una mirada hacia los pueblos originarios. Cuando tuve la oportunidad de conocer esos pueblos me di cuenta de que ahí hay despojos y olvido. Entonces, desde ese lugar trabajo para convertir eso en algo lindo y esa es mi intención con el arte. 

En el mismo sentido pasa algo muy parecido con la infancia. Cuando comencé a trabajar en una escuela primaria - era un lugar donde había población de ladrilleros y la infancia estaba muy lastimada de diferentes ángulos. Entonces, comencé a mostrar con mis obras la realidad.

Me parece importante recordar que dentro de la infancia está el futuro. En nuestras manos está lo que podemos hacer para que no siga pasando eso que venía pasando o incluso que está pasando. Considero esto que está pasando por ejemplo hoy en Medio Oriente, donde tantos civiles y tantas infancias están destruidas. Más acá también podemos ver el interior o la periferia de la ciudad donde la infancia está lastimada. Desde ese contexto me parece importante el arte. El arte es la posibilidad de transformar algo.

Ternura

En la muestra Juan Pablo buscó de alguna manera traernos su infancia en Saladas. Los hijos de esa infancia tejida por balines, gomeras y barriletes. Salía a la siesta a recorrer los caminos y esas cosas están vivas en su memoria.

“Pinté una madeja roja porque cuando era gurí iba a la verdulería a buscar las bolsas de cebolla. Desarmaba esas bolsas para hacer madejas de hilos para los barriletes. Eran hilos duros y no se cortaban nunca”, desliza y el brillo le gana en sus ojos.

Los recuerdos sobre su infancia se ensanchan mientras caminamos entre sus obras. La evocación de un tiempo que tiene vivo y sus manos hicieron obras de arte entre pintura, xilografía y cerámica. 

Todo ese marco hace que la obra de Juan Pablo florezca en ternura. “Que bueno que se entienda o que se perciba ternura en mis obras. Trato de transformar algo para que sea lindo”, agregó mientras está contento con esa mirada paternal que también baña cada obra que surge sus manos.

Xilografía

En la región el grabado no es una técnica que se esté desarrollando. Basta quizás con decir que no hay muestra de arte solo de grabado, sino que aparecen algunas obras sueltas como en este caso, un parte de xilografía. Juan Pablo cuenta que estuvo en Paraguay y encontró que en el vecino país esta técnica está muy desarrolla y es potente. “La xilografía me encanta. Está ahí también puesta una idea de trasfondo social, tiene esa cosa de que se pueden hacer muchas copias de una imagen y que con ello podemos llegar a más personas”.

Tiempo 

La poeta Circe Maia dice que la poesía y el arte en general tienen esa delicadeza de asir el tiempo. En la charla con Juan Pablo sostiene que el arte le da una satisfacción muy grande. Le interesa, además los espacios donde las obras de arte están al alcance de todos.

— ¿Cuándo comenzaste a definirte cómo artista?

— Al arte le doy tiempo y le tengo mucho respeto. Cuando comenzamos a charlar te mencionaba que desde el 2002 estoy haciendo obras de arte en cerámica. Hasta hace poco me presentaba como profesor, porque era lo que más hacía y a lo que más le dedicaba horas de trabajo. Sin embargo, desde hace un tiempo trabajo haciendo obras de arte de lunes a lunes. Entonces, desde el momento en que me doy cuenta de que le dedico mucho tiempo decidí presentarme como artista. Hoy en día le dedico gran parte de los días a la producción artística, mucho más que a la docencia. 

Colibrí

Juan Pablo tiene un humor por momento feliz, entusiasta y contagioso. Cuando sostiene que le dedica mucho tiempo al arte esa u de muuuuuuuu cho se estira tanto como puede sostener el aire. Advierte que es pretencioso decir que tiene una identidad dentro del arte. Afirma, sin embargo, que se siente cómodo desde el lugar que está trabajando y haciendo arte.

“Se viene en Resistencia la Feria a.362 y estoy preparando obras de arte totalmente diferente a lo que vengo mostrando tanto en Corrientes como en Chaco. Es algo que sigue siendo mío aunque no habrá ahumado, será más realista, con un volumen diferente, pero siempre con la mirada a los pueblos originarios y a la naturaleza”, destacó. 

En las obras de Juan Pablo hay a menudo algún colibrí presente. Dicen, entre las muchas historias que se tejen sobre esta ave mítica, dicen que el colibrí aparece cuando te visita un alma buena. Una obra de arte puede ser una alma buena que te visita. En el decir de una poeta, vemos arder las obras de Juan Pablo, arder sin quemarse, quemándome.

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Analúz Blanco: “En las composiciones encontré un modo de sublimar las vivencias”

Se viene el 3° Festival Argentina de Viena. Este año la mirada está puesta en la música del Litoral Argentino y por ello estarán importantes exponentes de la región, como Analúz Blanco, Tajy Cuarteto, Garupá Trío, entre otros. En esta ocasión charlamos con la cantante formoseña sobre este viaje a Europa, el feminismo, la amistad, la música y las composiciones. Ella compartirá escenario con Milagros Caliva y también hará una presentación con Tajy Cuarteto.

Por Paulo Ferreyra

Artistas de la región llevarán la música del Litoral Argentino en este festival de Viane, Austria. Además de los conciertos habrá gastronomía, peñas, club del mate, charlas, cine, teatro, literatura y talleres de música. “Para mi esta invitación al Festival es un reconocimiento a todo lo que vengo trabajando desde muy chica. Se cumple así un gran sueño de expandir mi música al mundo”, afirmó ahora en comunicación telefónica, feliz, alegre y con toda la simpatía desborda en su voz.

Para este 3° Edición del Festival Argentino se armó una grilla teniendo en cuenta a los referentes de cada región. Estarán presentes destacados artistas del centro del país, del Noa y del litoral. El festival tiene una valiosa franja de la grilla dedicada a las mujeres en la escena músical.

Embajadora cultural

La invitación al festival le llegó a Analúz Blanco como embajadora cultural. Lo recuerda y sonríe. Llevará canciones y también realizará talleres de música y de gastronomía. “Voy a cantar y llevar las técnicas de cómo cantar chamamé y guarania, compartiré gastronomía haciendo sopa paraguaya, chipá guazú, chipá y mbeyú. Además, en el vestuario voy a llevar tejidos originarios”, explicó al tiempo que destacó que viaja con el cuerpo y el alma vestida de cultural regional.

Analúz ahora vive en Formosa. Es autora y compositora. Uno de los afiches del festival lleva su imagen. En cada gesto que hace destella su región litoral, donde resaltan sus raíces originarias, guaraníes, fenotípicas genéticas que hacen que se muestre tal cual es, sin dobleses. 

El 11 de octubre se presentará en este Festival junto a Milagros Caliva. Llevan ya más de diez años desde que se conocen. Compartieron un primer encuentro musical en Rosario, “recuerdo que Milagros era muy jovencita - tenía 19 años - pero ya era una maravilla lo que hacía con el bandoneón. Tuvimos una conexión. Nos hechizamos las dos, porque nos conocimos y hubo conexión”, comentó.

Desde aquel primer encuentro hicieron giras, fueron con el paso del tiempo fortaleciendo y construyendo una amistad. Se dicen chamigas. Tienen un vínculo muy profundo y muy fuerte desde la amistad que traspasa la música. En una muestra de cómo es esa intimidad, cuenta que a Milagros le gusta comer y a Analúz le gusta cocinar, así que se complementan muy bien. “Cree la chipa corazón que es una chipa que hago con forma de corazón - agrega Analúz - hace unos días atrás le hice una empanada con masa de chipa. Cada vez que nos vemos tenemos un ritual porque nuestra hermandad es muy profunda”.

— Da la sensación de que ahí hay una nueva feminidad, ¿es así?

— El amor y la ternura son derechos que nos reivindican como personas. Creo que el feminismo como movimiento - el feminismo en el que creo - vino a sembrar la política de los afectos. Es una política que apoya, que motiva, abraza, que alienta, que posibilita la ternura y que cada uno pueda expresar la sensibilidad que carga con uno mismo. 

Somos seres sensibles, vulnerables e interdependientes. Hoy se habla mucho de la individualidad, de la independencia, de la fuerza, de la productividad, elegir el camino del amor es un lenguaje para todos. Miro la vida desde el amor. Vivo enamorada del paisaje, de los pájaros, de la música y del encuentro, de los abrazos y de las amistades. 

Claro que cuando dos mujeres miran la vida desde este lugar transmitimos amor y ternura. Esta música que hacemos y que durante mucho tiempo fue exclusiva de los varones hoy la hacemos nosotras. Lo hacemos nosotras e incluso con nuestras propias composiciones.

— Tengo la sensación de que tus composiciones van en torno a lo que te rodea, el paisaje y lo que somos en el litoral.

— Van por ahí y también trasciende esos temas. No te olvides de que la música representa para mí un acto creativo donde puedo hablar y expresar sobre lo que vivo. Así como hay canciones muy lindas, hay canciones que escribo cuando me pasa algo en torno al desamor o a otras cuestiones cotidianas de la vida. Con el tiempo encontré en las composiciones un modo de sublimar o transformar las vivencias compartidas. Me ha pasado que cuando cuento las historias de mis canciones o lo que me ha pasado hay gente que se identifica con esas cosas. 

La música es una herramienta para compartir y para ayudar a acompañar distintos procesos a otras personas. Hay personas que a veces no encuentran una manera de comunicar lo que le sucede y ahí aparece la música. Nos pasa a todos. La música tiene ese poder de transmitir y sensibilizar. La música nos vuelve más amables con lo que nos sucede, recordar nuestra condición de humanos y portadores de un corazón. 

Nuevas composiciones

Analúz Blanco compone. Hace tiempo que viene creando y sueña también con grabar su primer disco solista. “En las presentaciones que hago ya estoy presentando mis canciones. Presento las canciones y las voy compartiendo con amigas y amigos”, desliza al tiempo que su voz llega viva, fresca, nueva. Al 3° Festival Argentino en Viena evocará un repertorio amplio con chamamé, guarania, polca, uno de sus temas compuestos más reciente es chamamé del genuino amor. Además de compartir música con Milagros Caliva también lo hará con Tajy Cuarteto. Aquí también compartimos una de sus creaciones

/ Madre tierra / 

Voy, tierra adentro / Monte soy / Viento norte de calor / Soy, correntada que se va / Hacia el río Paraguay / Soy de la tierra que dibuja el Litoral / Soy mezcla India / La raíz de mi lugar / Tengo el trino de gorriones / en la voz, para cantar / Voy, con la piel color del sol / Del lapacho soy la flor /  Soy de la tierra que dibuja el Litoral.

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