Martín Alvarenga: “Acá en Corrientes encontré la síntesis existencial de mi estar en el mundo”

El escritor y poeta presentó la reedición de su libro Latinoamérica comienza en Corrientes. Este llegó de la mano de Eudene, editorial de la Universidad Nacional del Nordeste. “Extrañaba el contacto con la gente. Sentía una nostalgia”, expresó en la previa de ese encuentro con el público.

 

Por Paulo Ferreyra

Foto gentileza Eudene

 

El atardecer se iba lento en la ciudad. Los autos circulaban más pausados. Las pocas personas que circulaban caminando iban envueltas en abrigos pesados y sobrios, mientras despuntaban algunos destellos con guantes o bufandas blancas. En su casa, Martín Alvarenga esperaba a su entrevistado con gesto amable, cordial, con palabras que brotaban bañadas por la memoria.

 

Semanas atrás se inauguró el ciclo Libros en el Hall en la Universidad Nacional del Nordeste. En este marco se presentó la reedición del libro de ensayo de Martín Alvarenga Latinoamérica comienza en Corrientes, la obra es editada por Eudene e ilustrada con obras del artista Esteban Gómez.

 

Martín Alvarenga, es filósofo y poeta. Su obra se configura alrededor del eje temático del ser humano en el cosmos, su relación consigo mismo, con la imaginación y con el otro. Expresa una visión holística y panóptica del mundo que cruza las fronteras de la cosmogonía occidental para incorporar elementos que van desde el pensamiento guaraní hasta la filosofía. Él ha publicado poesía, cuento, novela, ensayo y ha escrito teatro; entre sus títulos se encuentran: Cantando como si naciera, Flotilla de fábulas, Imaginero cosmológico, País alucinógeno, Los fantacuentos, Drogados por la luz, Catarsis, El vuelo chamánico, entre otros trabajos.

 

Volver

 

Con este libro en particular el escritor y poeta vuelve hacer pie en la ciudad de siete puntas hacia el río. Antes de ello vivió catorce años en Buenos Aires. “Después de aquellos años allá y tras arribar en la ciudad me encontré muy alejado de las cosas que pasaban en este lugar. Tenía que volver a arraigarme. Entonces de pronto encontré una frase disparadora que surgió del hecho de sentirme un extraño. La frase fue - Latinoamérica comienza en Corrientes. Es una proyección de mi propia identidad”, explicó.

 

El escritor y poeta mantiene una postura de tener un pie adentro y otro pie afuera. “Me gusta estar más en la periferia”, subrayó. Destacó la importancia de la reedición de su libro, agradeció durante la charla el esfuerzo y el trabajo conjunto de Facundo Alarcón y Carlos Quiñonez.

 

— A través de este libro sentí la familiarización y la inserción con el entorno correntino. Conciliar mi espacio de Buenos Aires con esto que pasaba acá. Hay algo circular, porque voy a buscar cosas que no encuentro o encuentro algo que es un instante. Es en Corrientes donde encuentro la síntesis existencial - como dice Rodolfo Kusch - la síntesis existencial de mi estar en el mundo. Estar en el mundo como una continuación de la teoría de Heidegger. Pero el estar en el mundo en esta ciudad no es pasivo sino estimulante, disparador, hay un temperamento colectivo. Si bien es cierto que es introversión, también juega con la extroversión - trascendencia e inmanencia. Hay un tire y afloje permanente que es muy seductor.

 

Aquí hay una pasión erótica porque nosotros vivimos en un clima estimulante, excitante, tenemos eso en nuestra naturaleza. Hay un montón de motivaciones que nos hacen poner el cuerpo para expresarnos. La intensidad y el cuerpo determinan una pasión erótica. Sin cuerpo no hay palabra y sin palabra no hay cuerpo.

 

El chamamé por ejemplo es una expresión musical. Tiene un ritmo y un canto que nos hace sentir que estamos en este mundo, que el mundo comienza acá. Es una expresión musical que tiene que contar con una vertiente de letristas que tengan una mirada más crítica. Creo que el chamamé tiene mucha fuerza, una seducción que llega a integrar a toda una comunidad.

 

— Hay un juego que solo se da con el otro, se necesita del otro. Cuando escribiste este libro, ¿quiénes eran los otros con quienes interactuabas?

 

— Los otros era y son la región de la Cuenca del Plata y América Latina. Acá hay una frase que marca la separatividad con el mundo - que es Corrientes república aparte. En lo personal descreo en eso, para mí es un anti valor. Eso nos separa mucho del concepto emocional de nación. No respiramos un aire universal, por ahí nos confinamos en un aire muy local porque hay una cuestión de localía a ultranza.

 

Veo que aquí se proyectan hacia y sobre sí mismos. En mi producción quise engancharme con América Latina y no mirar tanto Buenos Aires. Lo pensé y lo fui sintiendo a medida que comencé a producir este ensayo.

 

— Lo comenzaste a nombrar

 

— Sucede que cuando escribís, nombrás. En el Antiguo Testamente cuando el creador del mundo - siguiendo el mito cristiano - va nombrando las cosas, estas toman forma. Así pasa con el que escribe, uno va nombrando y va dando vida a las cosas. A través del arte en general podes dar vida. Eso es poético. Además, a medida que vas escribiendo te vas descubriendo.

 

 

"Amo este sitio no por hábito sino por memoria"

 

El escritor y poeta presentó la reedición de su libro Latinoamérica comienza en Corrientes. El mismo fue editado por Eudene, editorial de la Universidad Nacional del Nordeste. En el hall de rectorado estuvo presente en el escritor junto a la profesora, poeta y escritora Rosalía Montenegro. Las luces delgadas y débiles daban un clima íntimo, casi de entrecasa. Rosalía relució sus dotes de lectura analítica de la obra de Alvarenga, con mirada fina y casi recitado todo con una dicción suave y firme.

 

Martín durante la charla con Rosalía desando el recorrido que lo llevó a este libro. Puso de relieve varias frases contundentes, cómo “Los soles de Corrientes jamás llegarán al ocaso”. “El universo comienza en Corrientes”. “Corrientes es la patria de la poesía y de la imaginación”.

 

Mirada indigenista

 

Los pueblos originarios que estaban en la región tenían la concepción del ombligo del mundo. Desde el punto de vista de la existencia el ombligo del mundo se debe a que todo gira alrededor de nosotros mismos. Nosotros somos el eje de esa rotación. Donde nos movemos llevamos ese mundo. Porque nos precede y nos acompaña. El arraigo y la centralidad. Desde ese lugar surge la concepción de Corrientes como ombligo latinoamericano

 

Martín Alvarenga hablaba pausado, casi amasando cada palabra que salía de sus labios. Fue así que resaltó, “el correntino se está haciendo. Colectivamente se va haciendo. El hecho de tener en cuenta la centralidad nos permite encontrar ciertas maravillas dentro de nuestro mismo espacio. Por ejemplo, a mí me maravilla los amaneceres y la puesta del sol. No he visto en otros lugares estos amaneceres y estos atardeceres”.

 

La esperanza está en lo que amamos en el mundo. Comentó que cuando escribía por hambre, por desesperación, cuando escribe se pone ansioso y se exalta. Saca lo que tiene adentro y ahí en la escritura fluye. La escritura no es solamente intuición, es también reflexión.

 

Instantes

 

En un libro de reciente aparición Magalí Etchebarne escribió, nuestro español es ruidoso. No es una lengua que monta caballos. Es un caballo. Así sucede que las lecturas y las palabras de Martín Alvarenga: “Estoy bien. A una determinada edad hay que ponerle un plus a la existencia para vivir.  Tenés que hacer un esfuerzo para vivir. Tenés limitaciones. Hay muchas limitaciones. Ya no podes salir como en otro tiempo. Esta presentación ha sido como una ventana que me permitió salir. Una oportunidad para encontrarme en modo taxativo. No en un sentido de deseo sino en cumplimiento del deseo. Me hace bien ser concierte de que hay que pelearla. Cada amanecer y cada noche digo hay que pelearla”. El amor por Corrientes también pasa por ahí. Le comentó que hay una frase de una familia amiga, la familia Binda, que dice Yo sé que hay mucho y mejor, pero mejor es aquí. A lo que Martín Alvarenga “eso es muy dialéctico, la eterna pregunta - estar y no estar. Ser o no ser. Es la memoria del instante. Somos instantes. Perduramos porque hay una acumulación de instantes que viven con nosotros”.

Leer Mas

Gabriel Muscio “Soda Stereo es un mazo de cartas lleno de ases”

 

El Cuarto Soda

La banda El Cuarto Soda se presentará el 28 de junio en el Teatro Guido Miranda en Resistencia. Un día después, el 29 en el mismo teatro a las 19. El domingo 30 de junio estarán en el Salón Gran Paraná de Corrientes. Antes de su arribo a la región hablamos con uno de sus integrantes, el baterista Gabriel Muscio.

 

Por Paulo Ferreyra

 

El Cuarto Soda está en un punto de elevación en la escena musical. Sus pasos la consolidan como una de las bandas más influyentes y queridas por el público en Argentina y Latinoamérica. Ahora se preparan para regresar a Corrientes y Resistencia, donde prometen ofrecer un show inolvidable.

 

La banda hace ya seis años que está haciendo giras recreando fielmente la música de Gustavo Cerati y Soda Stereo. En 2022, cerraron su gira con un espectáculo inolvidable en el estadio Luna Park de Buenos Aires, uno de los escenarios más emblemáticos de Argentina. Un año después, en noviembre de 2023, hicieron historia al presentarse en el mítico Teatro Gran Rex, agotando todas las localidades.

 

 

Fanatismo por Soda

 

El Cuarto Soda es una banda homenaje. Uno de sus integrantes explicó que no hay mucha diferencia entre una banda homenaje y una banda tributo. El motor esencial es el fanatismo hacia la obra de Gustavo Cerati. Para ellos tocar y hacer estas canciones es una forma de no extrañarlos. A menudo sostienen que lo que la diferencia entre el público y ellos es que de su lado están los instrumentos, nada más. Soda ya no podrá volver como lo que fue y para llenar ese espacio vació está El Cuarto Soda.

 

Antes de comenzar su primera gira de despedida, en la segunda mitad de los noventa, Soda Stereo llenaba estadios. El baterista Gabriel Muscio afirma que hay un amor muy grande por esta banda. “Gustavo Cerati es una figura demasiado grandilocuente y colosal. Esto viene de generación en generación. Hoy la banda que lideró sigue siendo moderna, siguen sonando en las radios y en las plataformas. Han dejado una huella importante en Latinoamérica. En Colombia son más fanáticos que en Argentina. En México y en Chile Gustavo Cerati es de ellos. En El Cuarto Soda ya hemos hecho el 95 por ciento de la obra de Soda”, destacó.

 

Formación

 

La banda está conformada por Gabriel Muscio en la batería, Pol Walls en el bajo, Gonzalo Loren en los teclados y Brian Tolenti, quien logra capturar la esencia del sonido de Gustavo Cerati con su voz versátil y su virtuosismo en la guitarra.

Gabriel Muscio

 

A fines de este año la banda realizará un show sinfónico con Damián Mahler, un reconocido director orquestal. Mahler está armando una serie de espectáculos sinfónicos con artistas populares y ahora suma a su ofrecimiento a El Cuarto Soda. El concierto será en el Teatro Gran Rex con más de 50 músicos en escena.

 

La banda se presentará el viernes 28 y sábado 29 en Resistencia y el domingo 30 en Corrientes. Antes de su arribo al litoral Gabriel Muscio destacó que “Soda Stereo es un mazo de cartas llego de ases. Siempre tiene un as. Es imposible perder”, subrayó.

 

 

— En ese fanatismo donde nos igualamos todos, ¿cuánto le cambia a ustedes tener los instrumentos y tocar los temas de soda?

 

— Nos cambia la cabeza mucho. No es lo mismo ser oyente de un grupo del cual sos fanático y lo escuchaste toda tu vida, otra cosa es el rol del músico. Cuando empiezas a desmenuzar la canción y notas que la producción de cada disco es muy diferente entre sí. Toda la obra de Soda es una obra muy rica y muy vasta. Pero sobre todo hacer esta música es un gran desafió.

Subir al escenario y tratar de emular el audio - la fuente sonora y respetar la estructura de la canción es una tarea muy ardua. Estar a la altura de la ejecución de los instrumentos como fue Soda es una tarea difícil. Todos ellos eran grandes músicos. Al mismo tiempo nosotros buscamos disfrutar de eso en cada show. Compramos los mismos instrumentos, ensayamos mucho, antes de empezar con El Cuarto Soda ya teníamos una carrera como músicos, pero el desafió de hacer estas canciones es superador.

 

— Acá no hay margen para la improvisación.

 

— Exactamente, esta es nuestra propuesta que instalamos desde el comienzo. Nosotros queremos que con El Cuarto Soda el público escuche a Soda Stereo. Es una cuestión lúdica que se condimenta con algunas cuestiones teatrales, queremos que la gente tenga la ilusión de ver a Soda en vivo. No hacemos temas propios. No hacemos nuevas versiones. Las cosas que ellos hicieron estuvieron perfectas como para que vengamos nosotros a manosear estas canciones. Así que cuidamos todo y vamos a los arreglos originales. Vamos al hueso de cada canción.

El Cuarto Soda

 

— Están viviendo un presenta exitoso como Soda en toda Latinoamérica, ¿a qué lo atribuyen?

 

— El secreto es la dedicación y trabajar 24 x 7 con la banda. Todos los días de la semana a todo tiempo, no hay espacio para otra cosa. Lo tomamos como un trabajo desde la hora cero. Cuando nos juntamos y dijimos vamos a hacer esto y lo haremos bien, porque Soda requiere un trabajo y mucho respeto. Nosotros como fanáticos también juzgamos a los tributos y a los homenajes, el fan verdadero es prejuicioso - a Gustavo no se lo toca. Entonces tenemos que hacerlo bien y el secreto de este presente es el trabajo. Nosotros nos encontramos en El Campin de Bogotá tocando para 70 mil personas como lo hacía Soda. Tocamos en el Luna Park y en el Teatro Gran Rex. Pasaron varias cosas para que esto funcione.

 

— Han hecho presentaciones temáticas destacando distintas épocas, ¿a esta gira por el litoral traen algo en particular?

 

— Hemos hecho presentación de disco o de épocas de Soda. La particular de su discografía es que ningún disco se parece a otro en tanto a estética, audio, producción de sonido y puesta en escena. Son todos momentos disímiles entre sí. El año pasado hicimos los años 80, porque es una época muy representativa de cuando despegaron a nivel nacional e internacional. Ahora estamos haciendo los años 90, otra estética y otra música. En esos años fueron por un audio más rebuscado. Vamos por ese camino en esta gira por el litoral.

 

— ¿Tiene techo ser una banda tributo y tocar los temas de Soda?

 

— Creo que no. Lo que pasa es que se van renovando las generaciones de público. Nos vienen a ver chicos de 8, 9 o 10 años, con los padres y los abuelos. Mientras estén los oyentes, mientras siga la pulsión por escuchar a Soda y abrazar esa poesía de Gustavo Cerati no habrá techo. La poesía de Gustavo es eterna. Creo que el secreto de Soda es la poesía de Gustavo, en las letras anida el secreto. La gente se siente identificada y reflejada en las letras. Creo que las grandes obras son las que el oyente las termina de redondear con su interpretación. Esto no tiene techo porque la poesía no tiene techo.

 

Leer Mas

Yamel Yaya: El deseo de indagar en sus raíces y en la feminidad

 

Las texturas, los colores y las perspectivas de las obras de esta artista impactan en el primer contacto. A través de esta charla entramos en ese mundo, por momentos nos dejó ver y palpar sus herramientas, la selva que está pulsando el movimiento de sus manos.

 

Paulo Ferreyra

 

Es curioso pensar cómo observamos el paisaje a través de una ventana. Quizás es el paisaje el que nos observa a través de nuestro tragaluz. En paralelo, Yamel Yaya nos observa desde sus obras.

Yamel Yaya

El rosal en su inquieto modo de florecer va quemando la savia que alimenta su ser, escribió alguna vez Alfonsina Storni. En el proceso creativo, en las diferentes herramientas que usa Yamel va usando el caldo de cultivo que forjó su vida desde su nacimiento. El arte era inevitable en su vida. Desde muy pequeño se recuerda pintando o dibujando en todo lo que encontraba a su paso. En la adolescencia llegó a tener cuadernos de trabajo a modo de diario. En esas hojas fue donde comenzó a desarrollar el collage y las acuarelas.

 

La artista ya ha expuesto en diferentes lugares. Sus obras se van consolidando en un estilo propio y con herramientas que se conjugan nuevas en sus manos. La universidad también le aportó mucho en sus procesos de trabajo. En esta charla telefónica desentrañamos parte de su proceso creativo.  

 

— ¿Con qué herramientas de trabajo te sentís más cómoda?

 

— En los recortes de papeles y haciendo collage me siento cómoda. También me gusta trabajar con las acuarelas. Me gustan estas herramientas para usarlas con libertad, haciendo muchas manchas, haciendo capas y aplicando transparencias. Los recortes que voy introduciendo ciento que funcionan y tienen una autonomía dentro de la obra.

 

— También has probado con la tinta china.

 

— Si, la tinta china lo heredé de la carrera de diseño gráfico donde trabajamos tipografía. Me quedé con esa herramienta porque tiene una fluidez con la que me gusta trabajar. Laburo indistintamente con tinta china y acuarela.

Obras de Yamel Yaya

 

— Volviendo a los recortes de revistas que incluís es tus obras y que mencionaste que funcionan con autonomía, ¿Por qué? ¿Cómo surgió incluirlos?

  

— Hace unos años me regalaron unas revistas de los años 50 y 60. Son revistas de confección. Desde hace unos años empecé a trabajar con ese material. Así se despliegan y se incorporan a mis trabajos las cosas heredadas, con mensajes de mis abuelas, de mis tías, de mi mamá, todo ese imaginario y las imágenes que me traen de las mujeres de mi familia. Aparecen las cremas, los frascos, los perfumes, por eso empecé a utilizar este tipo de recortes. Para mí es una introspección a mi historia familiar, personal. Las mujeres están muy presentes.

 

— Me atrevo a trazar unas líneas sobre puntos en común en tu obra, las flores siempre están presentes, ¿tiene relación con esa tradición familiar?

  

— Las flores están presentes como una conexión muy femenina. En principio la acuarela me da la posibilidad de inventarme flores a través de las manchas. También en este tiempo he buscado muchas flores. Aparecen también las plantas que fui heredando de mi abuela y mi mamá. Mi familia viene de distintos puntos, mi abuela es del Chaco, mi mamá vive en Misiones y yo vivo en Corrientes. En la familia siempre estamos trasladando plantas. Ahora estoy armando mi propio jardín. Empecé a tener cariño por estas plantas que vienen de mi familia, por ejemplo, un malvón que me regaló mi abuela. La primera planta que me regaló mi mamá está presente en muchas de mis obras.

Obras de Yamel Yaya

 

— Ramón Ayala decía que el arte es la única red que puede atrapar el paisaje sin quitarle libertad, ¿coincidís? ¿Hay algo de eso en la serie que hiciste y titulaste Una selva propia?

 

— En realidad en la serie hay un poco de lo que puedo ver y decir de mis viajes por Misiones. Es una mirada un poco extrajera que tengo sobre Misiones. Hace tantos años que dejé esa tierra y hoy vivo en el paisaje correntino de mucho campo. Al volver a Misiones redescubro esta tierra y las sensaciones que me generaron me llevaron a crear la serie Una selva propia. El verde constante, incluso entrando a la ciudad de Posadas se siente el verde y esas cosas las fui redescubriendo. Cada verano me gusta reconectar con Misiones.

 

— En algún momento sentiste que el paisaje era tuyo y ahora ya no lo es, ¿funciona así?

  

— Para mí fue traer mi paisaje, reclamar mi lugar dentro de la potencia de Misiones. Me pasan cosas cuando me preguntan de dónde soy, no sé bien qué decir. Soy misionera pero también me siento correntina, tengo mi familia que es muy del litoral. Mi mamá es del Chaco, mi papá es correntino y yo soy misionera. En mis obras nunca había representado mi lugar, dibujar y hacerlo obra es expandir un recuerdo propio, íntimo, más allá de las fotografías que también tengo inmersas en el paisaje. Hacer estas obras me generó una reconexión emocional con la tierra de Misiones.

 

— Trabajas con las imágenes y también con las palabras que aparecen en el collage, ¿por qué?

  

— Al principio tenía los textos que generaban ciertas texturas y esas cosas me atraen mucho. Por lo general los papales me atraen, mi primera aproximación es más visual desde la textura y desde lo que me puedan aportar al collage. Me ha pasado que me siento a leer y me encuentro con una frase - en realidad esas frases me encuentran a mí - y así aparecen en las obras. Mucho de ese material que recibí de las revistas de los 50 y de los 60, son revistas que eran destinadas a las mujeres. Entonces los mensajes de las revistas y de algunos libros que tengo también, cuando me pongo a leer rescato cosas para llevarlo a una obra de este tiempo. Es un ejercicio que me divierte mucho y siento que puedo acercarme a la textura para profundizar y ver qué me dicen los recortes.

 

— ¿Qué buscas generar en quienes se acercan a tu obra?

 

— He notado que muchas mujeres, entre ellas mi abuela, mis tías, mi mamá, se acercan y entablan cierta relación con los paisajes. Eso también es un descubrimiento para mí. No me siento hacer estas obras con una finalidad de exponer, sino que hay una búsqueda personal detrás. Siempre aparece un deseo de indagar en la femeneidad o un deseo de honrar mis raíces, estas cosas nos conecta con muchas mujeres.

 

 “La respuesta está enmarcada en mi provincia”

 

Hace unos años, bastante, Virginia Woolf escribió, “La extrema actividad mental que se produjo entre las mujeres a finales del siglo dieciocho —las charlas y reuniones, los ensayos sobre Shakespeare, la traducción de los clásicos— se basaba en el sólido hecho de que las mujeres podían ganar dinero escribiendo. El dinero dignifica lo que de otra manera sería frívolo si no se paga por ello”.

 

Con la serie Una selva propia Yamel Yaya está haciendo un guiño a la obra de Virginia Woolf. Desde hace un tiempo cuando comenzó a centrarse en sus obras se preguntaba cuál era su lugar, cuál era su habitación dónde pueda sentarse a escribir y dónde podía ser ella misma, completa. La respuesta que enmarcó estuvo en Misiones.

 

“Me gusta el ejercicio con el cuaderno, escribir y que en el proceso aparezcan las cosas. En ese contacto con las hojas aparecen paisajes que en algunos casos nacieron abstractos y otros con una forma determinada. Ese es hoy mí cuarto propio”, cerró Yamel.

Leer Mas

Humberto Gómez Lollo: “Mis materiales fuertes son el mármol y la madera”

 

Humberto Gómez Lollo

Este viernes a las 20.30 el artista inaugurará su Muestra Retrospectiva 50 años creando esculturas. La cita es en el Museo Humberto Gómez Lollo de Resistencia.

 

Por Paulo Ferreyra

 

Las esculturas ya están en la sala principal del Museo Humberto Gómez Lollo. Una oportunidad como pocas veces se abren aquí para recorrer los 50 años de trayectoria del artista. El museo estará abierto de 9 a 11,30 y de 18.30 a 20 hasta el 30 de junio.

 

En arte están los entendidos, las personas que entran en los detalles de las obras y después en aquellos que definimos una obra por gusto, me gusta o no me gusta. Humberto explicó que cuando alguien va a comprar una obra sugiere que deben compren la obra que más le guste. Eso es importante porque después en su casa van a tener una obra con la que van a tener que convivir a diario. En definitiva, el arte es para entendidos y para aquellos que solo nos regimos por los gustos, resume.

 

El tiempo dirá cuál es el estilo del escultor. Pero en esta muestra retrospectiva queda claro que la abstracción es lo suyo. Humberto Gómez Lollo está cumpliendo sus sueños, tiene su propio museo y ahora realiza esta muestra retrospectiva. “El cielo me sigue regalando cosas. Por ejemplo el hecho de que una de mis obras pasó a ser Patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires”, destacó.

 

Visitar esta muestra es la posibilidad de acercarse al artista y tomar contacto con los 50 años de trayectoria. En el Museo se podrán observar sus primeros trabajos en madre, su primer mármol como así también su primera obra hecha en chatarra. Cabe destacar que Humberto Gómez Lollo tomó como fecha de inicio de sus trabajos el día que realizó su primera muestra individual, la misma fue el 7 de junio de 1974.

 

“Hacer esta muestra era algo que posiblemente no esperaba. Estoy cumpliendo 50 años haciendo esculturas y es un largo camino que recorrí con el arte”, así manifestó el escultor. A lo largo del tiempo no descuidó sus primeros trabajos, todavía tiene aquellos hechos en madera, mármol y las primeras obras en chatarra, la fundición en bronce y en aluminio. Esas obras quedan para la provincia del Chaco. En una jornada de sol, al abrigo de esculturas que había cincelado sus manos, tuvimos esta charla para profundizar en el significado profundo de esta muestra retrospectiva.

 

— ¿Cómo fue aquel día cuando revelaste tus obras por primera vez en una muestra individual?

 

— Aquel día tenía muchas expectativas porque era la primera vez que iba a mostrar mis obras en público. Había reunido diez trabajos. Esperaba que fueran bien recibidas. No podía anticiparme a la reacción de la gente. Tenía expectativa por saber cómo lo iban a recibir la gente. Además, todos sabemos que el público chaqueño es muy exigente. Es entendida en arte. También está presente la gente que no es entendida pero te dice - me gusta o no me gusta. Esto último es muy importante.

 

— A lo largo de estos años hiciste muchas obras, ¿cuál fue el criterio que usaste para seleccionar una parte de tu producción artística?

 

—  Vos sabés que empecé a trabajar con obra figurativa. Con el tiempo me fui yendo lentamente hacia la abstracción. Cumplí distintos momentos y tuve distintas etapas. Trabajé en madera, mármol y fundición. Fueron distintas etapas en estos 50 años de trabajo. He realizado muchas exposiciones individuales tanto en el país como en el exterior, tuve la suerte de mostrar mi obra en el país y en el exterior. Las mismas circularon por Francia, Japón, Estados Unidos, México, Canadá, Finlandia, por nombrar algunos países.

 

— ¿Entonces la intención mostrar esa evolución a lo largo de los años?

 

— No sé si evolución pero mi intención es mostrar cómo fui cambiando a lo largo de estos años. En la muestra podrán ver las distintas etapas de trabajo que tuve a lo largo de los años. Es difícil hablar de evolución en el arte, o decir tal obra es bueno o tal obra es mala. A mí me cuesta definirlo de esa manera. Puedo hablar con certeza de 50 años de trabajo constante. Sigo trabajando y eso es lo mejor, en escultura hay que trabajar todos los días. Esa es la definición de escultor.

 

— Los cambios que se produjeron en tu obra, ¿los buscaste?

 

— En un momento de mi producción mucha gente me decía que tenía que irme hacia la abstracción y no mantenerme en lo figurativo. Sin embargo yo hacía lo que me gustaba y lo que quería. Hasta que llegó un momento donde quise hacer abstracción. Aunque en realidad siempre está presente la abstracción, porque cuando hago una figura humana no hago cabello por cabello, sino que represento el volumen y cuido la forma. En algún momento empecé hacer abstracción de planos, de movimientos y de espacios.

 

—  ¿En esa búsqueda está presente lo estético?

 

— La parte estética en arte es lo fundamental. Ahora bien, que lo logremos es otra cosa. Siempre traté de aplicar las técnicas tanto en la madera como en el mármol. Mi material preferido de trabajo es la madera, porque cuando me inicié en el arte fue con la madera. Después el mármol, me gusta el desafío del mármol porque hay que trabajarlo con mucho cuidado. Me atrevo a decir que mis materiales fuertes son el mármol y la madera.

 

— ¿En qué obra sentís que lo lograste una estética especial?

 

— En un momento de mi vida hacía mucho mármol. Un día tenía un bloque y pensaba hacer un trabajo. No proyecté, no boceté, no hizo croquis, en definitiva no planifiqué nada. Como era un momento donde lo trabaja tanto pensé que me iba a salir sola la obra. Pero no fue así. Cuando arranqué a trabajar me encontré con que estaba perdido. Entonces dejé el bloque, en su momento lo iba a solucionar así que dejé la obra a medio terminar. Estuvo como cinco o seis años debajo de mi banco de trabajo. Llegó un día y dije que tenía que terminar, esa obra la terminé y me gustó su resultado final.

 

— ¿En el arte todo está permitido?

 

— Totalmente. En el arte todo está permitido. Es fundamental y se lo digo a mis alumnos, nadie tiene la verdad en arte. Si alguien tuviera la verdad en el arte todos le compramos la receta y hacemos lo mismo. En arte mientras haya la intención de buscar y crear todo es buena.

 

 

Agradecimientos

 

Por último, el escultor Humberto Gómez Lollo dejó en claro que hay mucho por agradecer en tantos años de trabajo, “el inicio fue difícil. Hasta me atrevería a decir que hoy los jóvenes la tienen más difícil que en mi época. En mis inicios he tenido el apoyo de autoridades, de amigos y de gente que no conocía. A veces me iba a un aserradero a buscar un pedazo de algarrobo. Ellos me daban, no me cobraban. Hoy es muy difícil encontrar. Mis alumnos me dicen que la madera sele muy cara.

 

Tuve suerte porque la gente me regalaba madera y así podía trabajar. Además tengo que destacar el apoyo de mi familia, eso ha sido fundamental. Hay amigos y personas que me ayudaron sin conocerme. Los herreros también, a veces pedía una base y me hacían trabajos importantes.  Soy un agradecido a toda esa gente”.

Leer Mas

Meno Fernández: "Un escritor no necesita que las cosas le sucedan para escribir sobre ellas"

Meno Fernández, autor y compositor de Los Rancheros

Los Rancheros están celebrando treinta años de trayectoria. En su gira por todo el país, llegarán el 15 de junio a Resistencia. La cita será en la Casa del Médico a las 21.

 

Por Paulo Ferreyra

 

 

La banda viene tocando todos los fines de semana. Así, entre tanta actividad, de repente se le pasaron treinta años de trayectoria. "No me di cuenta de que habían pasado todos estos años", deslizó Meno Fernández, cantante y compositor de Los Rancheros.

 

"Generalmente uno se da cuenta de cuánto pasa el tiempo cuando está inactivo. Cuando estás sentado en un sofá esperando que te llamen el tiempo no pasa nunca. En cambio cuando estás todo el día trabajando y trabajando -a vos también te pasará lo mismo en tu profesión, mientras haya una nota para hacer y periodismo para ejecutar- cuando te quieras acordar pasó el tiempo", así comenzó esta charla con Meno.

 

"Ni por todo el oro del mundo"

 

Los Rancheros estarán en Resistencia el sábado 15 de junio, a las 21, en el Auditorio Casa del Médico, avenida Ávalos 450. Las entradas anticipadas ya están disponibles. La banda argentina llega a la región en el marco de su Tour 2024 para festejar con su público los treinta años del disco Ni por todo el oro del mundo. El álbum contiene las canciones que han marcado un estilo característico y propio. Antes de su arribo a la ciudad, realizamos una entrevista telefónica con Meno Fernández.

 

— Vamos a partir de una frase de una canción que está en el imaginario popular del rock, "Cuando un amor se termina el mundo que te di se vuelve contra mí". ¿Cómo surgió esta frase?

 

— Esto es interesante porque esta canción, y esta frase en particular, la analizan en la Facultad de Letras. Conozco alumnas de la Facultad de Letras que me contaban que se analizaba en clase esta frase. Buscan el trasfondo de unas palabras que se puede decir livianamente pero que tiene una profundidad y se prestan para el análisis.

 

Sin embargo cuando escribí esta canción no puse en mi cabeza un por qué. Se me vino la letra y fueron sucediendo las palabras. Después, con el paso del tiempo, me di cuenta de la importancia que tiene esta expresión.

 

Creo que a muchos nos pasa que cuando comenzamos una relación de pareja entregamos todo. No estamos regateando o entregando un poco. Cada persona en el amor da todo lo que tiene adentro para que la otra persona sea feliz y esté contenta. Pero después, cuando la cosa no funciona, uno se pregunta: ¿para qué di tanto? Ahí es cuando pareciera que todo ese mundo que diste se te empieza a volver en contra.

Los Rancheros

 

— ¿Se puede escribir canciones cuando estás enamorado? ¿O el desamor forma parte de un estado puro de amor?

 

— Me parece que hablar de la felicidad plena del amor se convierte en una canción estúpida. Las cosas que hay para decir ahí son muy obvias. Generalmente cuando estás enamorado podes escribís estupideces. En la felicidad del amor se escapan palabras que a veces son chabacanas. En cambio el desamor viene con una poesía más profunda. Es más fuerte, hay dolor, bronca, reflexión.

 

— Los Rancheros tienen muchos clásicos dentro del rock nacional, ¿cómo te llevás con esos éxitos?

 

— Soy un agradecido a estas canciones. Nosotros estamos haciendo una gira por los treinta años de Los Rancheros con una trayectoria ininterrumpida. Cada vez somos más poderosos. Siento que a través del tiempo el mensaje que brindamos es más fuerte. En mi caso, me arrodillo ante las canciones que escribí.

 

— He leído que escribís todos los días con la misma pasión con la que preparas el mate a la mañana, ¿qué alimenta esa escritura?

 

— Es algo natural en mí. Tengo deseos y ganas de escribir. Además tengo mucho ejercicio con la escritura. A veces escucho a los autores y compositores que dicen que no le viene la inspiración. Para mí la composición es algo natural. No hace falta pelearse con una persona o tener un desamor verdadero para escribir. Un escritor no necesita que las cosas le sucedan para escribir sobre ellas".

Los Rancheros

 

"Amo la melodía"

 

Meno Fernández viene de una familia donde hay músicos, pintores, dibujantes. Él escucha música desde chico. Recuerda que comenzó a disfrutar del folclore después pasó por el jazz y así llegó el rock. "Escucho de todo y amo la melodía. A veces estoy en desacuerdo con el trap y con el rap. Estas son movidas nuevas que hacen los jóvenes a los cuales respeto por lo que hacen, pero al no tener melodía y al ser una secuencia monotónica no me llegan a emocionar su música. No me pegan en el pecho y no me entra en el corazón. Por eso amo la melodía".

 

Los Rancheros en Resistencia

 

“Hace mucho que no vamos a Resistencia. Una ciudad que está llena de arte ya que tengo el recuerdo vivo de caminar por sus calles y encontrarme con los puntos tan lindos que tienen”, expresó Meno Fernández. Habló también que tiene muchas ganas de realizar el show íntimo donde pueda hacer un recorrido por distintas etapas desde el primer disco hasta el más reciente. Además adelantó que presentará temas nuevos.

 

Los Rancheros se presentarán el sábado 15 de junio a las 21 en el Auditorio Casa del Médico ubicado en avenida Ávalos 450. Las entradas anticipadas se pueden adquirir a través de passline.com y en el punto de venta oficial en Opui, Mitre 225, Resistencia.

Leer Mas

Fabiana Larrea: “Me interesa que la obra sea un puente que te lleve hacia adentro"

 

Sesenta artistas dan su respuesta a una pregunta clave, ¿Cuánto pesa el amor? Esta es una muestra curada por Daniel Fischer en Buenos Aires. Una de las artistas que participan es Fabiana Larrea, con ella hablamos sobre sus sensaciones de ser parte de esta muestra, sobre arte y, claro, también hablamos sobre el amor.

 

Por Paulo Ferreyra

  

“La obra delante, y el amor adentro: y el amor, remolino avaricioso, el alma entera arrastra al hondo centro”; así escribió José Martí en su poema Obra y amor. Por estos días seguimos centrados en el tema del amor. De las palabras del profesor Daniel Fischer, quien realizó la curaduría de la muestra ¿Cuánto pesa el amor?, ahora nos sumergimos en los conceptos de la artista Fabiana Larrea, una de las artistas que también expuso en esta muestra.

 

La artista tiene una obra allá en Buenos Aires y también en Corrientes, donde está participando de la Feria de Arte Contemporánea ArteCo 2024 en Corrientes. En esta ocasión fue invitada por galerías bonaerenses. Lo que se exhibe ahí es un adelanto de la muestra individual que se realizará en agosto en el Centro Cultural Universitario dependiente de la Universidad Nacional del Nordeste.

 

La última palabra de amor

 

Fabiana Larrea es presidente de la Fundación Trama, una organización destinada a realizar acciones que vinculan Arte y Naturaleza. Trabaja en el proyecto Arte y Sostenibilidad en Puerto Tirol y en La Última Palabra de Amor, proyecto de arte textil contemporáneo.

Fabiana Larrea

Haciendo una retrospectiva, recuerda que la primera vez que fue a la sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta inmediatamente sintió que quería exponer su obra en ese lugar. Así que cuando Daniel Fischer le preguntó si tenía una obra para que formara parte de la muestra que estaba curando, ¿cuánto pesa el amor?, Fabiana no dudó un segundo. “Casi se me sale el corazón. Llevo muchos años trabajando en el arte y estoy absolutamente agradecida a este momento”, subrayó ahora en comunicación telefónica.

 

En el Centro Cultural Recoleta el profesor y curador compuso la muestra ¿cuánto pesa el amor? Aparece el amor en muchas facetas: el pasional, a los padres, al trabajo, a Dios, a los muertos y a los vivos, muchas y diferentes expresiones.  Se encuentra pinturas, instalaciones, videos y fotos de 60 artistas nacionales e internacionales.

 

En este contexto Fabiana está cumpliendo de alguna manera su sueño, tiene una obra suya en la sala Cronopios. La obra que llevó la eligieron juntos con Daniel. “Si bien todas mis obras tienen que ver con los vínculos, conexión que tenemos con el paisaje, con la relaciones humanas y con los afectos. Lo que está exhibido en realidad es una parte de una obra en proceso que vengo trabajando hace tiempo”, describió.

 

La preocupación y ocupación de Fabiana en torno al amor viene desde hace años. En un momento dado había realizado una consulta en las redes sociales preguntándoles a sus seguidores ¿cuáles fueron sus últimas palabras de amor? “Desde un inicio asumí que no entiendo todavía qué es el amor. Con la ayuda de muchos estoy pudiendo acercarme a lo que esto significa. En esta atmósfera de entender o tener una idea de lo que significa la amplitud de ese concepto empecé a transformar las palabras en una obra en proceso que iba a continuar de manera subterránea a lo largo de toda mi carrera, algo de muchos año, sin embargo en un momento se rompió y lo que hice ahora fue ir a mostrar partes de ese proceso”.

 

— ¿De ese proyecto que tenías donde buscabas palabras de amor, ¿cuáles fueron las más repetidas o recurrentes?

 

— Había muchas palabras de amor que caían en lugares comunes. Después había cosas muy lindas. A raíz de este proyecto llegué a entablar conversaciones con algunas personas que me contaban sus experiencias en relación a las últimas palabras de amor. En mis redes solo ponía una postal que decía - ¿cuáles fueron tus últimas palabras de amor? Era una pregunta muy abierta y se prestaba a muchas interpretaciones. Esa era la intención. Por ejemplo, aparecieron palabras de una mamá que me cuenta que su hijo de cuatro años le dijo  - vos y papá son lo mejor que me pasó en la vida. U otra persona que tenía una enfermedad y que para él su última palabra de amor más potente fue - te voy a donar un riñón. Aparecieron cosas muy diferentes y atrapantes.

 

En el proceso de trabajo lo que hice fue inventariar todo lo que recibía. Pero además me gustaba tener ese relato que me llegaba con la palabra. Lo que hacía era tomar las frases y las bordaba en un tejido de hilo de coser. Fueron paños y paños que se fueron acrecentando en el transcurso del tiempo. Entonces, cada vez que tengo la oportunidad muestro una parte de este trabajo. Había palabras muy hermosas.

 

— Ahora llevaste este trabajo a la muestra que curó Daniel Fischer, ¿Cómo dialoga tu obra con el conjunto que integra esta muestra?

 

— A mi me pareció desde el comienzo perfecto el entorno para mostrar esta pieza. Aquí hay una búsqueda de entender qué es el amor, esto que también es una necesidad humana de saber y te diría de obtener el amor, de vivir el amor y de poder comprenderlo cuando en realidad sabemos que nos excede en su profundidad. El amor mueve el mundo. Entonces el hecho de que pueda convivir, dialogar, con obras de la envergadura de los que están en esa sala es muy hermosa la experiencia.

Obra de la arista Fabiana Larrea

 

— A partir de esta muestra y de tu trabajo que seguís desarrollando, ¿tenés ahora una idea de qué es el amor?

 

— Al contrario, tengo más preguntas que respuestas. Esto es lindo. Hay ideas y conceptos sobre el amor que van mutando y que afloran en diferentes entornos. Hoy disfruto que sea así, que todavía esté llena de preguntas. Hay una experiencia que viví y aprovecho para contarte en este contexto.

En la pandemia, cuando mi papá parte a otra existencia, la veo a mi mamá que al despedirse de él lo hace con un beso como si estuviera apurada y le dice - chau mi cielito, chau. Puede ser que en ese momento ella haya entendido todo del amor. El amor es capaz de vencer a la muerte. Estas cosas me gusta pensar en relación al amor y al poder que tiene sobre la vida. El amor de un compañero de toda tu existencia, todas las formas de amor posible, con hijos, con amigos, me gusta pensar en un amor que es capaz de vencer a los muertos.

 

— ¿Qué buscas que genere tus obras de arte?

 

— Con mi trabajo me gusta poder movilizar. Hoy en día se habla del gancho, en ese sentido y me gusta que mi obra toque una fibra que después despierte preguntas en relación a tu propia existencia. Eso es lo que me interesa de mi trabajo. Me interesa que la obra sea un puente que te lleve hacia adentro.

 

— El hecho de que estemos rodeados de imágenes a través del celular, ¿como artistas te exige más esa situación? ¿Le prestas atención?

 

— Vos sabes que esto me recuerda que a raíz de una instalación que hice durante todo un año en Tirol, una persona me dijo - no sé para qué haces todo esto si la gente lo verá solo en las redes. En ese momento entendí que también es parte de lo que pasa con el arte. Entonces empecé a tomar más en serio la cuestión del registro de las obras. Trabajo muchas obras efímeras cuando hago instalaciones en el paisaje, entonces me tomo enserio el trabajo de registro asumiendo que eso es una oportunidad más para que la gente pueda llegar a mi trabajo. No me parece algo terrible ni lo tomo en términos de bueno o malo. Lo disfruto también, hago videos en vivo o posteos en redes. Forma parte de ese mundo.

 

— En relación a la inteligencia artificial, ¿cómo te llevas?

 

— Justo una de las obras que están en la feria de Arte Contemporáneo de Corrientes tiene relación con los miedos. Que hermoso es cuando uno logra atravesar sus miedos. La verdad es que no me asusta la inteligencia artificial. Creo que fueron las mismas discusiones que hubo cuando apareció internet, lo tomo como un nuevo desafío. Veo qué nueva oportunidad hay y qué nuevos desafíos nos trae cada tiempo. Me gusta la posibilidad que tenemos los humanos de transformarnos, mucho de lo que hago en mi trabajo tiene que ver con el reciclaje, tiene implícito muchas cosas no solo en términos ambientales, sino también el trasfondo de lo que implica reciclarse. Que implica transformar algo que ya existe en una cosa nueva, darle otra oportunidad o un giro. Yo transpolo esta cosa a la basura, para mí la basura no existe, porque si uno puede transformar eso estamos más cerca de la potencialidad de las cosas que nos rodean a lo que está para el descarte.

Obra de Fabiana Larrea en el Centro Cultural Recoleta

 

 

 

Leer Mas